Les artistes réinventent la manière dont Covid-19 façonnera le monde de l’art

Alors que certains artistes s’épuisent sur les écrans, d’autres ont découvert qu’il y avait des avantages propres aux projets numériques socialement éloignés. D’une part, Internet est bien plus accessible qu’une galerie SoHo; pour un autre, c’est une toile vivante. «L’idée que les œuvres d’art sont achevées une fois pour toutes n’est plus tenable», déclare l’artiste conceptuelle Agnieszka Kurant. «Ils devraient évoluer comme des organismes vivants et réagir physiquement aux changements qui se produisent dans la société et dans le monde.»

Kurant démontre ce concept dans Les conversions (2019-2021), une série de «peintures» en constante évolution qui utilise des données provenant de flux de médias sociaux appartenant à des membres de différents mouvements de protestation, notamment Black Lives Matter, Women’s Strike in Poland et Extinction Rebellion. Chaque article s’appuie sur l’IA pour analyser le ton sentimental exprimé à travers des milliers de publications. Ces informations sont ensuite transmises via une simulation informatique à un circuit imprimé personnalisé qui chauffe des couches de cristaux liquides au-dessus d’une plaque de cuivre, leurs motifs colorés évoluant constamment avec les tons des voix exprimées sur Internet.

Les «peintures» de la série de l’artiste conceptuelle Agnieszka Kurant Les conversions changement basé sur le ton exprimé dans les publications sur les réseaux sociaux.

Photographie: Galerie Agnieszka Kurant / Tanya Bonakdar

Avec Internet alimentant beaucoup d’œuvres d’art aujourd’hui, et avec si peu d’endroits ouverts aux gens pour voir ces œuvres, pourquoi même s’embêter à en faire une pièce physique? Pour Denny, c’est un antidote au temps d’écran incessant initié par la pandémie. «Au début, je me suis dit ‘OK super, numérique.’ Je suis un artiste intéressé par la technologie », se souvient Denny. «Et puis, après un mois, [I thought] « Je ne veux plus jamais regarder un autre site Web. » J’étais plus obsédée que jamais par la tactilité, l’espace, la matérialité et les objets. Pour Kurant, le travail tangible ne consiste pas à s’approprier de l’immobilier de galerie, mais à redistribuer le capital. Avec Les conversions, chaque fois qu’une «peinture» de cristal se vend, une partie des bénéfices est redistribuée aux mouvements sociaux qui ont inspiré les articles originaux. «Je veux détourner le flux de capitaux excédentaires du marché de l’art», dit Kurant.

La pandémie a posé des obstacles encore plus grands pour les musiciens, qui, contrairement aux artistes visuels, ont besoin d’un public de corps en sueur remplissant les salles de concert bondées. Des chanteurs comme Phoebe Bridgers et Lianne La Havas sont passés aux performances en streaming directement de leur chambre ou même de la baignoire pour tenter de reproduire l’intimité avec les fans. Bien que certaines parties d’Internet aiment ce contenu, il ne remplace indéniablement pas les émissions en direct. Et le musicien en souffre aussi, jonglant maintenant avec l’impossible attente d’être un influenceur sur les réseaux sociaux en plus d’un créateur.

La compositrice expérimentale Holly Herndon explore les exigences que la culture en ligne fait aux artistes sur son nouveau podcast Interdépendance, coanimée avec son partenaire, Mat Dryhurst. «Nous essayons de nous éloigner de cette idée de l’artiste indépendant», dit Herndon. «Je pense que ce qui pourrait être l’avenir de l’industrie créative, c’est plutôt que des acteurs indépendants qui se disputent, une sorte de réseau d’acteurs interdépendants qui pourraient s’avérer mutuellement bénéfiques.» Semblable à Kurant, Herndon identifie un système d’entraide comme étant essentiel pour aider les artistes à survivre dans une économie précaire. Herndon explique que ces nouveaux réseaux encourageraient la collaboration créative, augmenteraient la visibilité des nouveaux talents et permettraient aux artistes de demander une compensation équitable. Tout cela, cependant, dépend de la fin de la pandémie et de la libération des musiciens de leurs flux en direct confinés à la maison, ce qui, selon Herndon, peut être «tellement grincheux».

Ce n’est pas parce que les artistes trouvent de nouvelles façons d’exposer leur travail que le street art est une relique du passé. Au fur et à mesure que les villes se recalibrent à leurs nouvelles réalités, la restructuration des espaces publics a donné plus d’occasions à certains artistes de montrer leur travail. Chashama, basé à New York, encourage les propriétaires à autoriser les artistes à utiliser l’espace vacant jusqu’à ce qu’il soit loué. C’est gagnant-gagnant: les artistes obtiennent les ressources dont ils ont besoin et les quartiers connaissent une augmentation du trafic piétonnier (aka affaires).

Le modèle de Chashama crée également une communauté, ce que la Problem Library à but non lucratif tente de reproduire à San Francisco. Récemment, l’artiste Vanha Lam, connue pour son travail utilisant du papier plié et de la toile, a lancé à Problem Library son idée d’installer un jardin de rocaille zen intérieur à grande échelle qu’elle aurait tendance à utiliser quotidiennement. Le directeur de l’organisation, Blake Conway, a trouvé son espace au rez-de-chaussée du nouveau complexe de condos Mira, près de l’Embarcadero. De tels projets à grande échelle, dit Conway, «étendent la réflexion sur ce qui est possible dans ces espaces». Possible maintenant – et possible dans le futur.


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